L'artista che in pochi sono riusciti a proteggere e ricordare: tra questi Vittorio Sgarbi. Riccardo ​Francalancia, impiegato di banca "sbocciato quasi all'improvviso"

Come i più rigorosi sostengono si ha un bel dire che di un artista occorre essenzialmente guardare l'opera senza essere condizionati dalla sua biografia, capace di influenzare il nostro giudizio. Intanto, se così fosse, qualcuno dovrebbe spiegare come mai, per tutti, più e più volte si rovista tra i documenti a caccia di dettagli e informazioni, per ricostruire il percorso dell'artista non solo cronologicamente.

Una volta stabilito il contesto storico, è utile comprendere le ragioni interiori che ne hanno determinato la cadenza stilistica: il carattere, gli incontri decisivi, avventure e disavventure e ogni altro dettaglio aiutano a capire meglio ciò che stiamo guardando.

Tutti sanno dei viaggi di Gauguin nelle isole polinesiane, dove peraltro morì nel 1903; meno conosciuti sono gli anni che precedettero la sua pittura, quando, superate una serie di complicate vicissitudini familiari, a Parigi si distinse come intraprendente funzionario presso l'agenzia di cambio Bertin, incarico che lascerà a trentacinque anni. Sino a quel momento il rapporto tra Gauguin e l'arte era strettamente legato al proprio lavoro, avendo inserito nel portafoglio della sua clientela i quadri di alcuni impressionisti, di Cezanne, di Pissarro e di Monet in particolare.

Dal mondo della finanza, con alle spalle una vicenda personale decisamente diversa, arrivò anche Riccardo Francalancia. Non siamo nella capitale francese, ma a Roma, agli inizi degli anni Venti del Novecento: "Dall'impiegato di banca sbocciò quasi all'improvviso, ma dopo lungo travaglio interiore, un bel mattino del 1922 e, abbandonati i conteggi di percentuali ed interessi, si dette a studiare", scrisse Margherita Sarfatti nel 1930.

In realtà i suoi primi disegni risalgono al 1919, comunque, nel '22, al momento del passo decisivo, l'artista aveva trentasei anni. A differenza di Paul Gauguin, nessun dramma familiare ne segnò la giovinezza, trascorsa serenamente tra il verde degli ulivi e le dolci pendenze di Assisi, dov'era nato il 9 novembre 1886. Terminati gli studi al collegio degli Scolopi a Spello, giunse nella capitale per laurearsi alla facoltà di Scienze Politiche. Questo gli permetterà di trovare subito impiego al Credito Italiano.

Lontano da Assisi, l'arte rimase nei suoi pensieri, oltre che nei ricordi, intimamente legati ai capolavori di Giotto, di Cimabue, di Simone Martini, di Pietro Lorenzetti, contenuti nella Basilica di San Francesco: espressione massima del fiorire della pittura in Italia.

Probabilmente salvato da una cataratta che gli permise di evitare il servizio militare, ancor prima di lasciare "un solido mestiere e una vocazione borghesissima (per) il tanto più incerto mestiere della pittura", a cavallo degli anni Venti, Francalancia iniziò a frequentare la Casa d'Arte Bragaglia e "l'enclave di letterati e di artisti che da Valori Plastici e da La Ronda passeranno ai tavoli della celebre terza saletta del Caffè Aragno" (Fabrizio D'Amico). Tra opinioni spesso contrastanti, egli si sentì in qualche modo "protetto" poiché tutte queste convergevano sulla necessità di ristabilire, in contrapposizione al Classicismo e all'Espressionismo e dopo la frantumante stagione delle grandi avanguardie, un contatto diretto con la tradizione figurativa italiana. Un vero e proprio cenacolo culturale, capace di far sorgere riviste, produrre articoli, organizzare e allestire mostre: Cecchi, Cardarelli, Bruno Barilli, Longhi, Soffici, Ungaretti e, il più attivo di tutti, Mario Broglio. Con loro, molti altri: De Chirico, Martini, Trombadori, De Pisis, talvolta Morandi e, silenzioso ma attento, Francalancia.

Superata una prima fase, fortemente onirica e visionaria, in diretta corrispondenza con Rousseau il Doganiere, durante la quale le immagini vanno accumulandosi con foga all'interno del racconto compositivo, l'artista imbocca la strada giusta, incontrando le intonazioni e i solfeggi armonici presenti nel paesaggio umbro. Nel recensire una sua mostra romana del 1928, Michele Biancale, nel lodarlo, non può fare a meno di interrogarsi: "Per essere il Francancia autodidatta assoluto, e pittore da pochissimi anni, non sappiamo esattamente quale sarà la sua orientazione: se verso un maggiore intellettualismo (…) o verso una più accanita insistenza su quelle qualità di visione istintiva per cui la sua pittura, sul nascere, ebbe un po' l'apparenza orripilante". Il giudizio critico di Mario Broglio, al contrario, è assai più lusinghiero. Infatti, conferendo un valore particolare alle sue fragilità, sottolinea che: "Dopo rapidi assaggi egli è riuscito a prendere contatto con la pittura per una specie di scorciatoia che gli consente di evitare quelle comuni esperienze di fronte alle quali la personalità di un artista riesce a trionfare o è obbligata a piegarsi. I suoi saggi sono espressione di un ottimismo bucolico (…). Né la grazia delle sue visioni manca, nell'espressione, di uno stile che ci sorprende per la perizia e la maturità".

Qualche interno, qualche natura morta, soprattutto paesaggi: scorci terrosi e "ferrigni", per dirla con Longhi, all'interno dei quali le presenze architettoniche, uniformandosi con l'ambiente circostante, non creano contrapposti visivi, grazie anche ad "un colore povero e unito": verrebbe da dire "francescano".

Anche nel momento in cui egli pone al centro del soggetto, con le pieghe di un turbante, un ravvicinato monte, Francalancia sembra riflettere una visione armoniosa che rassicura. Senza ammonire, candidamente narra. Infatti dirà: "L'opera d'arte non deve far rimanere sorpreso lo spirito di chi osserva come di fronte a qualche cosa di eccezionale e di incomprensibile, ma deve destare nell'anima un sereno sentimento di commozione musicale sempre più profondo e invadente, tanto più è espressa in essa la commozione provata dall'artista davanti alla natura, ad un soggetto".

Di fronte ai suoi quadri non si può fare a meno di pensare a queste e alle sue prossime parole, dette e scritte all'indomani del Futurismo e di devastanti conflitti mondiali: "Tutto quel mistero fuso nella natura ha una funzione spirituale sull'anima dell'artista, il quale traduce nella forma, con commossa semplicità, l'essenza spirituale delle cose che maggiormente lo colpiscono". In poche righe ripete la parola "spirituale", conferendo una dimensione immateriale a ciò che va rappresentando: non a caso fa un preciso riferimento alla musica, non a caso, ancora, Roberto Longhi lo definirà "irrealista".

I monti a lui cari di Colcaprile (Valle del Tescio) dipinti nel 1927, quelli laziali di Palestrina del 1923, ma anche quando dipinge la tela intitolata L'Acrocoro del Pappagallo, egli, in simbiosi con se stesso, mostra di voler ammorbidire quei rilievi, levigandone ogni intimorente asperità. Con la medesima fluidità luminosa Francalancia dipinge le nuvole, i sentieri tra i campi, l'acqua del Tevere: tutto attorno a lui scorre poeticamente. Solo in alcuni casi la pennellata rallenta e diventa più descrittiva, così da mettere in evidenza il fitto intreccio dei rami di un albero o la facciata di una chiesa.

Dopo aver fatto suo il principio del primitivismo, lo alleggerisce, al punto che, nell'incapacità di coglierne la sostanza interiore, alcuni diranno: "Questi quadri sembrano soffiati nel vetro, tenuti assieme da un illogico incanto", oppure, in queste opere: "Si rimbalza senza rumore in un mondo di gomma elastica".

Che farci, per molto tempo è stato frainteso anche Donghi. Il modo migliore per chiudere questo ricordo potrebbe essere immaginare un omone mite, alto quasi due metri, mentre scrive: "Quando vado in montagna a trovare il mio paesaggio, se l'ora non è buona e il sole non corrisponde ancora, mi sdraio sull'erba di un greppo con il cuore tenero come per un dono prezioso. Guardo le formiche nel loro vivace lavoro: cerco di non disturbarne il viavai, seppure talvolta metto un piccolo ingombro davanti, o tolgo per un attimo la preda, tanto per vedere quello che fanno. Guardo lo stercolaio se mi capita nel suo meraviglioso estenuante impegno, o quei piccoli insetti appena visibili, come pulviscolo d'oro trepidi di vita (…) e lentamente la mia fantasia attenta e attonita mi fa entrare in quella dimensione e i sottili fili d'erba stretti tra loro s'ingrandiscono e diventano folti boschi e scaturisce un mondo poetico meraviglioso. E il paesaggio mi attende".

Vi è però un finale ancora migliore, di toccante bellezza. L'anno è il 1955, Leonetta Cecchi Pieraccini - pittrice, allieva di Fattori e moglie di Emilio Cecchi, illustre letterato e critico d'arte - racconta: "Il contrasto singolare che si constata nella nostra epoca più che in altre del passato, è che accanto a tanta esasperata agitazione, nel campo dell'arte, e dubbi, sommosse e originalità portate al paradosso, vivono, gomito a gomito, eremiti contemplativi, tipo Francalancia, per dirne uno, che attraversano un campo minato con la fervorosa sicurezza dell'entusiasta. Fu lo scorso febbraio che tanto mi commosse un incontro con lui. Ero appena riuscita ad arrampicarmi su un autobus diretto al Piazzale Flaminio, quando mi sentii chiamare per nome. Mi volsi e fra il pigia pigia delle persone affollate sulla piattaforma, nell'angolino accosto ai gradini, pronto a buttarsi giù al momento opportuno, scorsi appunto Francalancia in punta di piedi, abbracciato ad un sostegno della vettura e al proprio cavalletto. Si recava a dipingere a Vejo nientemeno. Aveva fatto tardi per la prima corsa del pullman e se ne doleva. Avrebbe ora preso la corsa di mezzogiorno e sarebbe rimasto sul motivo sino a buio (…). Conosco per personale esperienza come l'impresa del pitturare all'aria aperta comporti fatiche e fastidi, sia per recarsi a forti distanze, privi del conforto dell'automobile, sia per sopportare, in località frequentate, il disagio dei perdigiorno assemblati alle spalle. Tanto più mi procurò ammirazione, e direi invidia, il gioviale e tenace euforismo del vecchio Francalancia. Lo benedissi dentro di me come il simbolo di un tempo sparito e che ritrovo nel ricordo".

Nel 1955 Francalancia ha quasi settant'anni. Morirà dieci anni dopo, lasciando accesa una luce e una speranza che in pochi hanno saputo sostenere e proteggere: tra questi Antonello Trombadori, Guido Giuffré, Fabrizio D'Amico, Vittorio Sgarbi. Dopo di loro, il silenzio. Ci piacerebbe inserirlo tra i dimenticati, in verità le voci più influenti della critica e coloro che collocano i pesi sulla bilancia economica dell'arte, con l'opera, è facile che non ne conoscano neppure il nome.